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Jun 25, 2023

Die besten Filme des Jahres 2023 (bisher)

Abgelegt unter: In den ersten sechs Monaten dieses Jahres hat die Dominanz der Superhelden nachgelassen, sodass eine Vielzahl von Filmen ihre eigenen Sachen machen können. „Tut mir leid, ich mache mein eigenes Ding“, sagt Miles Morales bei a

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In den ersten sechs Monaten dieses Jahres hat die Dominanz der Superhelden nachgelassen und einer Vielzahl von Filmen die Bühne überlassen, die ihr eigenes Ding machen

„Tut mir leid, ich mache mein eigenes Ding“, sagt Miles Morales in einem entscheidenden Moment in Spider-Man: Across the Spider-Verse und lehnt die Orthodoxie seiner Spider-Leute auf der Suche nach Originalität ab. Im Jahr 2023 ist die Idee eines idealistischen Ausreißers, der versucht, dem Superhelden-Industriekomplex einen Strich durch die Rechnung zu machen, gleichermaßen inspirierend und inspirierend – vor allem, da die Ära der Comic-IP-Dominanz zu schwinden scheint (und noch dazu unter der Aufsicht von David Zaslav). . Aber allgemeiner ausgedrückt beschreibt die Zeile das MO der Filme auf unserer Liste der besten Filme des Jahres bisher. Ganz gleich, ob sie im Mainstream, am Rande oder zwischen den Genres gearbeitet haben, die hier versammelten Filmemacher haben den Status Quo beobachtet – und kein einziges Mal mit der Wimper gezuckt.

Es hält nicht an der Landung fest, wahrscheinlich weil es einfach weiter schwebt: Seit „Die Rückkehr des Königs“ hat kein Blockbuster mehr so ​​viele mögliche Enden geboten. Trotzdem ist es verständlich, warum Chad Stahelski und Co. zögern würden, sich vom prägenden Actionhelden des Jahrzehnts zu verabschieden, und obwohl „John Wick 4“ mit 169 Minuten ein langer Abschied ist, hat er auch viel zu bieten, um die Zeit zu vertreiben. Geben Sie es auf, in keiner bestimmten Reihenfolge, für den unerschütterlichen Donnie Yen als blinden Schwertkämpfer; der nicht wiederzuerkennende Scott Adkins als aufgeblähter Attentäter; die elegante Rina Sawayama, die ihr Debüt als neue Continental-Concierge gibt; der verstorbene Lance Reddick, der sich als der Ältere verbeugt; Bill Skarsgard mit einem unverschämten französischen Akzent als aristokratischer Arschloch-Bösewicht; und natürlich unser Mann Keanu Reeves, der zu einer echten Ikone gealtert ist und es als Schauspieler irgendwie schafft, der Slapstick-Unzerstörbarkeit der Titelfigur eine melancholische Note zu verleihen. Sensationelle Stunts, rigorose körperliche Blockaden und Kamerachoreografie, vernünftige, aber befriedigende Darstellung und eine unpassende Anspielung auf Frogger – gute Sache, Mr. Wick.

Ich komme hier nicht oft dazu, die kanadische Karte auszuspielen, aber es war ein herausragendes Jahr für das Filmemachen in meiner Heimat und meinem Heimatland. Matt Johnsons ausgelassene BlackBerry-Entstehungsgeschichte wurde mit „The Social Network“ verglichen, aber sie ähnelt eher einem Tech-Bro-Riff auf „Inside Llewyn Davis“ – ein zartes, aber unsentimentales Porträt von Jungs, die klug genug sind, sich das nächste große Ding auszudenken, die letztlich aber dennoch reduziert waren zu einem Fleck unter einem iPhone-großen Schatten. Der MVP: Glenn Howerton als skrupelloser Co-CEO von BlackBerry, Jim Balsillie, der nie einen Untergebenen getroffen hat, den er nicht in zwei Hälften zerreißen wollte.

Céline Songs vielgepriesener Sundance-Auftritt handelt von zwei Jugendlieben, die in schicksalhaften Abständen von zwölf Jahren immer wieder zueinander finden: das erste Mal über Facebook, nachdem einer von Südkorea in die Vereinigten Staaten umgezogen ist, das zweite Mal, nachdem er sich für einen Besuch in New York entschieden hat obwohl er weiß, dass sie verheiratet ist. Als notwendigerweise komprimiertes Einzelfilm-Riff auf Richard Linklaters Before-Trilogie und ihrer Schiebetür-Metaphysik ist „Past Lives“ schematisch, aber wirkungsvoll; Was dafür sorgt, dass es funktioniert, sind die Auftritte von Greta Lee und Teo Yoo als jugendliche und erwachsene Inkarnationen dieser nicht ganz verliebten Liebespaare. Vor allem im Schlussakt wirken sie dem Tanz aus Anziehung und Widerwillen gleichzeitig flink, unbeholfen und drängend, während John Magaro als Lees Ehemann ein überraschend ergreifendes drittes Rad darstellt – ein anständiger, liebevoller, unterstützender Mann, der so mitfühlend ist die Lebensgeschichte seines Partners, dass er das Risiko eingeht, seine eigene umzuschreiben.

Ich mochte Wes Andersons All-Star-Gruß an die amerikanischen Bestrebungen und Ängste der Mitte des Jahrhunderts nicht gerade; Die mehrstufige Erzählung und die eingebetteten Rollenspiele wirkten fast zu kompliziert, als hätte der Regisseur, der einst ein Händchen dafür zeigte, die emotionale Halsschlagader zu finden, seine Herangehensweise bis zur Lähmung verfeinert. Aber auch wenn „Asteroid City“ nicht ganz funktioniert, sind seine beweglichen Teile alle präzise abgestimmt und bieten genug großartige Momente – viele davon entstehen zwischen Jason Schwartzman und Scarlett Johansson als vorsichtiges, verwundetes Liebespaar, das im Niemandsland gestrandet ist –, um sich einen Platz zu verdienen diese Liste. Ein Nebenprodukt von Andersons detailorientiertem Filmemachen ist, dass es von wiederholtem Ansehen profitiert, und wenn es einen Film auf dieser Liste gibt, der sich bei genauerem Nachdenken wahrscheinlich verbessern wird, dann ist es dieser.

Wer schon einmal an einem Wochenende in der Wildnis einen Laptop als Schutzschild benutzt hat, kann sich mit dem (Anti-)Helden aus der neuen Sittenkomödie des deutschen Meisters Christian Petzold identifizieren; Der 20-jährige Schriftsteller Leon (Thomas Schubert) ist mürrisch, verschwitzt und nicht bereit, in den See zu springen, auch wenn das Zeit mit seinem Urlaubsschwarm verbringen würde. Er weiß es auch, und seine Unfähigkeit, über sich selbst und seinen wahrscheinlich beschissenen Zweitsemesterroman hinwegzukommen, führt zu vielen wunderbar gruseligen Momenten – obwohl der Punkt zu sein scheint, dass Unbeholfenheit nicht das Ende der Welt bedeutet. Dafür müssen die Charaktere nur zu dem purpurnen Dunst aufblicken, der von der anderen Seite der Ostsee hereinweht, das Nebenprodukt nicht allzu weit entfernter Waldbrände, die dem Film seinen Titel und die apokalyptische Atmosphäre verleihen. Es ist schwer, Mumblecore-Tropen mit existenzieller Panik zu verbinden, aber Petzold schafft es, vor allem in einem Schlussakt voller flüchtiger, surrealer Akzente.

Beide Teile der Spider-Verse-Reihe waren gewissermaßen Allegorien über die Besetzung, Renovierung und Unterteilung geistigen Eigentums; Aus einem mühsamen Unternehmenskompromiss zwischen zwei Unternehmen mit Anspruch auf eine ikonische Figur des 20. Jahrhunderts hat eine talentierte Gruppe von Designern, Animatoren und Regisseuren etwas geschaffen, das der vitalen, tausendjährigen Pop-Art nahe kommt. Auf einer Ebene persiflieren die andauernden Abenteuer der Netzschleuderer Miles Morales und Gwen Stacy über verschiedene stilisierte Realitätsebenen die Fülle an Spider-Man-bezogenen Inhalten; Die Wendung dieses Mal besteht darin, dass beide Charaktere (und ihre Alter Egos) gezwungen sind, sich mit dem auseinanderzusetzen, was sie – und wir – als Franchise-Kanon anerkennen: ein existentielles Nein-Nein, das auch der Schlüssel zu einem wirklich befreiten Comic-Geschichtenerzählen ist. Es ist kluges Zeug, geht sprunghaft über Marvels bissige Hegemonie hinaus und ist politisch ungefähr so ​​fortschrittlich, wie man es von einem Blockbuster großer Studios erwarten kann, mit einer herrlich illustrierten Eltern-Kind-Szene, die LGBTQ-Ikonographie nicht nur in die Geschichte, sondern auch in den Rahmen integriert selbst.

Der katalanische Regisseur Albert Serra dreht langsame, dröhnende Kunstfilme, die dazu einladen, an ihrer zunehmenden Erstarrung teilzuhaben: Man kann entweder auf seiner verträumten Wellenlänge surfen oder an Land bleiben. Das charakteristische Bild seines spannenden neuen, auf Tahiti spielenden Thrillers „Pacifiction“ zeigt eine Gruppe pazifischer Inselbewohner, die zu zehnt hängen und von Wellen überragt werden, die größer und beängstigender sind als alles andere in „Point Break“ – 50-Fuß-Metaphern für die größeren Kräfte, die durch eine stürmische, globalisierte Wirtschaft wirbeln . Benoît Magimel spielt einen zwielichtigen französischen Diplomaten, dessen zerknitterter weißer Anzug ihn als wahre Verkörperung des Kolonialismus der alten Schule darstellt, aber Serra ist ein zu schlauer und raffinierter Filmemacher, um ihn zu einem offensichtlichen Bösewicht zu machen. Stattdessen wechselt Magimels beredte Chiffre ständig die Positionen – und Loyalitäten – auf einem üppigen Inselschachbrett, auf dem die Regeln von den Gewinnern geschrieben (und neu geschrieben) werden und Schachmatt ein potenziell thermonuklearer Vorschlag ist. Der zugleich greifbare und undurchdringliche Film ist bisher der Hardcore-Kunstfilm des Jahres.

In dem ein Ein-Mann-Heimwerker auf dem Gebiet klaustrophobischer, übernatürlicher Gleichnisse eine klaustrophobische, übernatürliche Parabel erschafft, die in einer buchstäblichen Hütte spielt. Wie Signs ist „Knock at the Cabin“ wie eine Fabel über eine Hausinvasion aufgebaut, nur dass die Eindringlinge dieses Mal keine Außerirdischen sind: Sowohl in ihrer tränenreichen Zurückhaltung als auch in ihrer tödlichen Überzeugung im Namen des (Menschen-)Opfers sind Dave Bautista und seine nicht außerirdisch Die fröhliche Bande von Endzeitfanatikern ist nur allzu menschlich. Das Thema ist – wiederum wie bei Signs – Glaube versus Zweifel, und man zollt M. Night Shyamalan Anerkennung (und Respekt), weil er seine Wetten nicht à la Cabins mehrdeutiger ausgeführten Quellenroman abgesichert hat. Anstelle trendiger, unverschuldeter Mehrdeutigkeit treibt er das Material auf ideologische (und theologische) Extreme, die garantiert einen bestimmten Prozentsatz des Publikums verstören (oder verärgern). Und noch besser: Es ist klar, dass es ihm egal ist, wenn er es tut; Auch wenn sein spiritueller Nachfolger, Jordan Peele, nach der A-plus-B-Filmfackel greift, bleibt „Night“ der Branchenstandard.

Kelly Fremon Craig erfüllt das Versprechen ihres liebenswert harten Debüts „The Edge of Seventeen“ mit einer perfekt umgesetzten Adaption von Judy Blumes Kinderklassiker. Als spirituell suchende Protagonistin – deren Wunschliste für den Mann im Obergeschoss eine Vielzahl sozialer und biologischer Ängste enthält, die durch den Status eines Neulings noch verstärkt werden – verzichtet Abby Ryder Fortson auf Niedlichkeit und stattdessen auf die Art von nachdenklicher, untergeordneter Angst, die das bedeutet Spätzünder aller Art werden sie als 100 Prozent authentisch erkennen. Und als ihre liebenswürdige, aufmerksame, aber kreativ unterdrückte Mutter, die nie ganz über ihre eigenen jugendlichen Zweifel hinausgewachsen ist, spielt die hervorragend besetzte Rachel McAdams die Art emotional präziser, ernst-komischer Schauspielkunst, die ihr in einer perfekten Welt einen Oscar einbringen würde (eine kleine, geladene Szene). Die Einbeziehung des Schauspielers und eines Vogels vor ihrem Fenster ist großartig. Fremon Craig ist ein sehr begabter Regisseur: Die Details aus der Zeit der 70er sind eindrucksvoll, ohne aufdringlich zu wirken, und der Ton drängt nie zu stark oder gerät aus dem Fokus. In einem Interview sagte Blume selbst, dass der Film ihr Ausgangsmaterial verbessert; Sie ist bescheiden, aber sie sagt es auch so, wie es ist.

Bisher vibriert kein Film aus dem Jahr 2023 von den politischen Spannungen dieses metafiktionalen Gangsterthrillers, der im Brasilien von Jair Bolsonaro spielt und gedreht wurde und gleichermaßen den Hinterlassenschaften von Third Cinema und der Mad Max-Reihe zu verdanken ist. Die Co-Regisseure Joana Pimenta und Adirley Queirós haben die Realität kühn verdreht, um sie ihrer Science-Fiction-Vision anzupassen, und besetzten eine Gruppe weiblicher Favela-Bewohner als selbsternannte Ölpiraten, die Unternehmenspipelines anzapfen und das Abflusswasser mit einem Rabatt verkaufen. Sie stehen einer rein männlichen Polizeitruppe gegenüber, deren dunkle, elegante Maschinerie einen gesichtslosen Autoritarismus hervorruft – die größeren Kräfte, die Aktivismus, Feminismus und Anti-Establishment-Filmemachen zu riskanten Unternehmungen machen. Dass es manchmal schwierig ist, hier zu unterscheiden, was authentisch und was spekulativ ist, ist der Sinn des Unternehmens, aber die Mischung aus radikaler Ideologie und hybrider Ästhetik ist absolut fesselnd. Der Film verfügt außerdem über den besten Hip-Hop-Soundtrack des Jahres, abgerundet durch einen Song über einen Dreier in einem Hubschrauber, der härter geht, als es Menschen möglich sind.

Kelly Reichardt hat in 30 Jahren als Autorin und Regisseurin keinen schlechten Film gedreht. Ich bin mir nicht sicher, ob einer ihrer Zeitgenossen das Gleiche von all den üblichen Verdächtigen des US-Hauptkinos sagen könnte. Die sanfte – aber nicht zu sanfte – Kunstkomödie „Showing Up“ stellt einen Karrierehöhepunkt dar und stellt die Muse des Filmemachers, Michelle Williams, als Bildhauerin dar, die eine akademische Karriere anstrebt, hier dargestellt als Teufelskreis aus mit Photoshop bearbeiteten Flyern, Wein und Wein - Käseempfänge und sorgfältig ausgearbeitete Komplimente von Freunden und Rivalen. Weil Reichardt eine so geschmeidige Dramatikerin ist, ist sie in der Lage, Handlungsstränge so geschickt um ihren frustrierten Protagonisten zu weben, dass wir die Erzählbögen erst bemerken, wenn sie ihren Höhepunkt erreichen; Weil sie so viel Wert auf Ort und Zeit legt, spielt sich „Showing Up“ fast wie ein ironischer, hinterfragender Dokumentarfilm über die künstlerische Praxis, übersät mit Bildern von Studenten, die an Projekten arbeiten, die ein weniger sympathischer Satiriker als visuelle Gags behandeln würde. Ein Paradoxon, das es wert ist, hervorgehoben und gefeiert zu werden: Weil Reichardt Künstler und Kunstschaffen ernst nimmt, holt sie so viel komischen Nutzen aus ihren Schwächen. Bei „Showing Up“ gibt es keine Zwänge und auch nicht viel Nabelschau: einfach eine Meisterin ihres Fachs, die über die unzähligen Schwierigkeiten nachdenkt, die mit der Erschaffung von etwas verbunden sind, und es dann mühelos aussehen zu lassen.

Adam Nayman ist ein in Toronto ansässiger Filmkritiker, Lehrer und Autor. Sein Buch „The Coen Brothers: This Book Really Ties the Films Together“ ist ab sofort bei Abrams erhältlich.

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